Les scènes récurrentes en romance

La littérature sentimentale ou romance est un grand genre romanesque qui peut s’égrainer en de nombreux sous-genres.

Romance contemporaine, romance historique, dark romance, romantic suspense… Le genre de la romance est caractérisé par la mise en scène d’une histoire d’amour exceptionnelle qui se conclut par une fin heureuse.

Peu importe l’univers mis en scène, des motifs narratifs récurrents se retrouvent dans toutes les romances. Et un certain nombre de scènes clés font partie de l’horizon d’attente du lecteur ou de la lectrice de romance.

Les trois scènes suivantes sont les piliers d’une romance réussie.

1. La première rencontre des amoureux

Une romance donne une place centrale à une histoire d’amour. La raison d’être du roman est l’histoire d’amour.

Aussi, le premier nœud narratif essentiel est celui qui marque le début de cette histoire d’amour.

Et tout commence par une rencontre.

Cette rencontre n’est pas anecdotique puisqu’elle va changer la vie des personnes qui se découvrent.

Pour que l’histoire d’amour soit exceptionnelle, un ressort courant est de créer une rencontre qui n’aurait pas dû avoir lieu.

Plus les amants auront des personnalités différentes, des vies différentes, plus les lecteurs seront interpelés par la façon dont ils arriveront à surmonter leurs différences pour créer une vie ensemble.

2. L’acte manqué

Alors que les amants vont concrétiser leur amour par une marque d’affection importante, un premier baiser ou une nuit d’amour, ils sont interrompus ou s’interrompent.

Ou alors, bien qu’ils aient concrétisé d’une façon ou d’une autre leur attirance l’un pour l’autre, quelque chose ou quelqu’un vient subitement rompre leur idylle et créer du doute.

C’est une façon de créer un ascenseur émotionnel pour le lecteur qui voit la montée puis la crispation du désir. Il voudra continuer à lire après cette frustration pour savoir si les amants vont surmonter cet obstacle.

Il s’agit tout simplement de créer du suspense dans la romance.

On amène de l’incertitude pour que le lecteur s’investisse dans l’histoire et veuille connaître la suite.

3. La déclaration d’amour publique :

Ce qui fait la puissance de l’histoire d’amour, c’est son caractère exceptionnelle. Et l’un des marqueurs qui font sortir l’histoire de l’ordinaire, c’est la qualité de la déclaration d’amour. La démonstration de cet amour et tout ce que les amants sont prêts à faire l’un pour l’autre. 

Ainsi, on a souvent une culmination en déclaration publique.

La romance est à un moment crucial et incertain… Les amants pourraient voir leur couple se briser. Pour que le lecteur ait son happy end, il faut que l’un des personnages fasse une déclaration magnifique, devant témoins, qui prouve sa dévotion à son amant.

Une fois la déclaration faite en public, il n’y aura plus de doutes sur les sentiments de l’un envers l’autre. Le lecteur aura la preuve qu’aucun obstacle ne pourra séparer les amants.

Les grands points de la conversation :

– Les scènes clés se retrouvent dans tous les sous-genres de la romance
– Dans une romance, l’histoire d’amour doit être exceptionnelle
– La rencontre est d’autant plus remarquable que les personnages sont différents
– La création de suspense n’est pas réservé aux romans d’aventure ou aux polars

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Qu’est-ce qu’un contrat à compte d’auteur et un contrat à compte d’éditeur ?

Lorsque tu recherches des maisons d’édition en ligne, tu dois apprendre à faire la différence entre les vrais éditeurs et les prestataires de service.

Ces derniers ne se présenteront souvent pas comme tel, mais comme des éditeurs ! Or ils n’en sont pas : un éditeur publie ton livre en te proposant un contrat à compte d’éditeur. Il prend tous les risques financiers liés à la publication du livre.

Un prestataire de service est un partenaire commercial qui ne prend qu’une partie du risque en te faisant signer un contrat à compte d’auteur.

Tes droits et tes obligations ne sont pas les mêmes selon ces deux contrats. Et malheureusement, ils n’auront pas le label « à compte d’auteur » ou « à compte d’éditeur », donc c’est entièrement à toi de reconnaître avec qui tu travailles et ce que tu signes.

Le contrat à compte d’éditeur

Le contrat à compte d’éditeur est le contrat que tu signes avec une maison d’édition traditionnelle.

L’éditeur choisit de publier ton livre et il engage tous les frais qui concernent :

• La correction ;
• La maquette des différents formats ;
• L’impression et la distribution ;
• La communication et ta participation aux salons.

Tu ne payes rien : tu n’achètes pas de stock et tu ne participes pas financièrement à une quelconque prestation.

C’est l’éditeur qui te paye de la façon suivante :

• Des à-valoir (que tu conserves même si ton livre ne se vend pas)
• Des droits d’auteur annuels sur la vente de tes livres qui s’élèvent en moyenne de 8 à 12% du prix du livre.

L’éditeur conserve 90% du montant de tes droits d’auteur pour se rémunérer et subvenir à ses frais.

Vérifie bien que l’éditeur que tu démarches fasse un travail de correction sur ton texte. Certains éditeurs peu scrupuleux, bien qu’ils te proposent un contrat à compte d’éditeur, ne font pas un travail de correction alors qu’il s’agit de la base du travail éditorial. Tu ne veux pas juste un distributeur quand tu t’engages auprès d’un éditeur !

Le contrat à compte d’auteur

Tu peux reconnaître très facilement un contrat à compte d’auteur : il comporte des clauses qui te demandent d’engager tes finances personnelles pour promouvoir ton livre.

Le prestataire de services te demande de payer une ou plusieurs prestations.

Cela peut être de payer la correction de ton livre ou alors d’acheter un certain nombre d’exemplaires. Il répartit le risque de la vente de ton livre avec toi en prenant en charge des étapes lourdes, comme la distribution, mais en s’assurant de n’être pas déficitaire comme il reçoit quand même de l’argent de ta part.

Avant la percée de l’autoédition, les contrats à compte d’auteur étaient une alternative qui donnait à l’auteur plus de contrôle sur la publication de son roman.

Désormais, avec la facilité de la mise en ligne des livres et un certain nombre d’entreprises qui proposent des services de distribution aux autoédités, la pertinence d’un contrat à compte d’auteur est largement discutable.

Les grands points de la conversation :

– Ce qu’est un contrat à compte d’auteur
– Ce qu’est un contrat à compte d’éditeur
– La différence entre un éditeur et un prestataire de service
– Comment reconnaître un contrat à compte d’auteur à coup sûr
– La différence entre un contrat à compte d’auteur et l’auto-édition

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Ecrire une comédie romantique… de Noël spécifiquement !

Qu’est-ce qu’une niche littéraire ?

Les genres romanesques correspondent à des types d’histoires qui reprennent des schémas narratifs récurrents. Le polar, la romance, la science fiction… Tu connais tous ces genres qui s’émancipent de la littérature généraliste pour se constituer en genre à part entière.

Mais tu peux aller plus loin dans la subdivision ! Tous les genres ont de multiples sous-genres et on va même jusqu’à mettre en avant un motif narratif très populaire pour créer de nouvelles dénominations.

Par exemple, la bit-lit, sous-genre qui se rattache tantôt à la romance paranormale, tantôt à l’urban fantasy, se caractérise par la mise en scène de créatures aux crocs acérés : vampires, évidemment, loups-garous et démons.

On parle de « genre de niche » ou de « public de niche » lorsque l’on destine son roman à des lecteurs qui recherchent un certain type d’histoire avec des archétypes très codifiés. Un auteur de niche est un auteur qui fait le choix de n’écrire que des histoires avec ces archétypes particuliers.

La comédie romantique de Noël : numéro 1 des ventes !

Bien que l’on identifie plus souvent la niche avec un trope très resserré, donc un nombre de lecteurs très restreint, certaines de ce niche peuvent faire l’objet d’un effet de mode ou d’un engouement saisonnier.

La bit-lit s’est affirmée en tant que telle autour du phénomène Twilight dans les années 2000.

Et la comédie romantique de Noël ? Il s’agit par définition d’une niche saisonnière. Mais quelle niche ! Chaque année, des millions de lectrices et de lecteurs dévorent les romans de Noël et consacrent de nouveaux best-sellers.

La durée de vie des romans de Noël est aussi courte que leurs ventes sont fulgurantes. Ils sont publiés à partir de la mi-octobre et les ventes dégringolent à partir de janvier.

Les codes, toujours les codes

La comédie romantique ou rom-com (de l’anglais romantic comedy) est un sous-genre de la romance. Elle se définit par trois éléments essentiels à l’histoire :

• Une histoire d’amour qui est la raison d’être de l’intrigue. Une comédie romantique est une romance ;
• Des éléments qui génèrent l’humour : une comédie romantique est un vaudeville et pas juste une romance. Il faut des situations cocasses ou ubuesques, quiproquos, légèreté du ton.
• Une galerie de personnages secondaires du côté de chacun des personnages principaux qui viennent aider ou contrarier la romance et qui contribuent à l’humour.

La comédie romantique de Noël est encore plus cadrée.

Voici les 4 éléments que doivent contenir absolument les comédies romantiques de Noël.

1. Noël, un personnage à part entière

Ta comédie romantique de Noël ne fait pas que se passer à Noël. C’est tout le folklore de Noël qui l’habite. Noël est presque un personnage à part entière, avec sa mythologie et ses traditions.

La neige, les sapins, les décorations, la course au cadeau, le repas de famille… Tu dois tout mettre en scène dans ta rom-com de Noël.

Ce sont autant de symboles que les fans du genre s’attendent à retrouver dans ton roman. Ce n’est pas accessoire . Tous les éléments de Noël doivent servir à faire avancer l’histoire d’amour.

2. La time line de Noël

L’action de la comédie de Noël se déroule de quelques jours avant Noël jusqu’au jour de l’an.

Cette temporalité restreinte impose une action assez rapide, avec un enchaînement de péripéties sur ces quelques jours.

Il faut que l’histoire d’amour culmine le jour de Noël. La scène la plus importante, la plus forte de l’histoire se passe le jour de Noël. Par exemple, l’aveu des sentiments ou la demande en mariage.

Pour un maximum de tension dramatique, le défi le plus important que traverse le couple, le risque ou la consommation de la rupture se faire lui la veille de Noël.

3. Noël crée la possibilité de l’histoire d’amour

Toujours dans l’idée que le thème de Noël n’est pas juste un thème parmi d’autres dans ton roman, c’est Noël qui crée les conditions de la rencontre de tes personnages principaux.

Tu dois lier l’histoire d’amour à Noël.

Par exemple, tes personnages se rencontrent en cherchant leurs cadeaux. Ou l’un des personnages travaillent dans une industrie en lien avec Noël (manager dans un grand magasin, artisan, etc.).

Leur rencontre est portée par la période de Noël. Cette histoire ne pourrait pas avoir lieu en dehors de la période de Noël.

4. Un ton léger plein de bons sentiments

La comédie romantique est un vaudeville qui se veut léger dans les thèmes abordés comme dans le ton de la langue. C’est encore plus vrai pour la rom-com de Noël.

Tu peux évidemment aborder des thèmes plus lourds en filigrane (le deuil par exemple), mais tu ne dois pas tomber dans le drame et dans l’exploration de ces thèmes si tu veux coller au genre.

Pense bonbon de Noël !

Trouver son originalité dans un roman de niche

Les conseils que j’ai pu te donner concernant l’originalité de ton histoire seront les mêmes ici.

Si tu écris une comédie romantique de Noël, ce n’est pas sur les archétypes de Noël que tu fais la différence. Tu dois te conformer à l’horizon d’attente de ton public pour que ton livre marche, pour qu’il fasse partie du genre.

Ce qui te différenciera, ce sont tes personnages et leur personnalité. C’est la façon dont tu orchestreras les rencontres et l’enchaînement de tes péripéties. Tout simplement, c’est ta plume et la tonalité qui t’est propre.

Les grands points de la conversation :

– Noël n’est pas un prétexte mais un personnage à part entière dans la rom-com de Noël
– Il faut suivre les codes du genre pour satisfaire le lecteur
– L’histoire d’amour se crée grâce à Noël et s’étoffe dans ses préparatifs
– La rom-com de Noël marche très vite mais a une durée de vie très courte

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5 conseils pour réussir son Worldbuilding

Encore un anglicisme largement utilisé pour parler d’un concept de l’art de l’écriture ! Le worldbuilding (« construction de monde ») est l’ensemble des éléments à prendre en compte quand on crée un monde imaginaire.

Un monde inventé, notamment dans le grand genre de la fantasy, sera plus ou moins inspiré de notre monde réel. Tout comme dans notre monde, une société est régie par un ensemble de règles et par une organisation de tout ce qui permet la vie et la prospérité de ses habitants.

Comme j’ai pu le dire dans l’épisode précédent sur l’écriture en fantasy, même pour un monde inventé où la magie est partie prenante, il faut suivre les règles que l’on s’est données.

Conseil n°1 : Définir les règles de son monde avant d’écrire

Même un monde inventé doit rester cohérent. Pour ce faire, je te conseille vraiment de ne pas construire ton monde au fil de la plume mais de réfléchir au préalable à ce qui le compose et à son mode opératoire.

Fonctionne en entonnoir. Par du général pour aller progressivement dans les détails.

Pose-toi deux questions essentielles :

1- Comment mes personnages changent la société dans laquelle ils évoluent ?

2- Comment les cultures / espèces de ton monde interagissent les unes avec les autres ?

Quelle conséquence pour le quotidien des personnages dans le roman ? Comment tes protagonistes vont-ils être liés dans ce monde ?

Toutes ces questions tu dois te les poser avant de commencer à écrire.

Conseil n°2 : Ne pas tomber dans le manuel scolaire

Plus tu auras réfléchi aux détails de ton monde, plus tu le visualiseras facilement et tu pourras le transposer dans ton texte.

Attention cependant à bien décider des détails qui servent à l’histoire !

Tu n’es pas là pour donner une leçon d’histoire ou de géographie à tes lecteurs. Ton roman n’est pas un mode d’emploi mais une histoire dont on veut connaître le suite.

Tu vas donc réfléchir à plus d’éléments de contexte que tu n’en partageras dans ton histoire. Le lecteur n’a besoin que de la partie émergée de l’iceberg, c’est-à-dire ce qui lui permettra de comprendre les problématiques centrales de ton roman.

Conseil n°3 : Ne jamais sacrifier la crédibilité de ton histoire

Tu peux tout imaginer. Tu peux tout faire et tout mettre en scène.

Mais même un monde inventé où la magie règne doit paraître réaliste au lecteur. Tu dois dérouler la pelote des causes et des conséquences des règles de ton monde.

Si par exemple tu décides qu’une partie de la population est immortelle :

• Quelle incidence sur la surpopulation ?
• Comment est-ce que les gens se reproduisent (s’ils se reproduisent) ?
• Comment peuvent-ils subvenir à leurs besoins avec les ressources du monde ?

Toutes tes décisions ont un impact sur la société comme sur tes personnages auquel tu dois réfléchir.

Conseil n°4 : Tirer son inspiration de l’histoire des civilisations

Tu as besoin d’inspiration et de conseils pour créer un monde inventé ?

Inutile de réinventer la roue ! Tu trouveras les meilleurs exemples de ce qui divise ou soude une société dans les livres d’histoire !

Intéresse-toi à l’histoire des civilisations. Inspire toi de l’histoire de la naissance, de la prospérité, de la transformation et de la déchéance de différentes civilisations.

Etudie différents régimes, des empires aux démocraties.

Conseil n°5 : Utiliser le quotidien pour poser l’ambiance

Pour ne pas tomber dans l’écueil dont nous avons parlé dans le conseil n°2 (qui consisterait à partir dans un exposé sur ton monde), donne plutôt des détails ayant attrait aux habitudes de tes personnages et à leur quotidien.

Ces détails et anecdotes auront beaucoup plus d’impact sur ton lecteur qui visualisera d’autant mieux tes personnages et leur environnement direct.

Prends exemple sur Tolkien et sa description des habitudes et rituels des hobbits dans ses livres Le Hobbit et Le Seigneur des anneaux. Les particularités du quotidien de ces petits êtres permettent une connexion immédiate du lecteur aux héros.

Les grands points de la conversation 

• Garde pied avec la réalité quand tu construis ton monde imaginaire
• Planifie la construction bien en amont
• Anticipe les conséquences de tes choix d’intrigues
• Tout est dans le détail….

Les grands points de la conversation :

– Garde pied avec la réalité quand tu construis ton monde imaginaire
– Planifie la construction bien en amont
– Anticipe les conséquences de tes choix d’intrigues
– Tout est dans le détail

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Ecrire un roman de fantasy : tes points de vigilance

La fantasy est un sous-genre prolifique et populaire de la littérature de l’imaginaire. Il se caractérise pour la présence du merveilleux, de la magie, dans le monde dépeint par l’auteur.

Voici 8 conseils d’écriture qui devraient d’aider à réaliser un roman de fantasy professionnel et dynamique.

Conseil n°1 : Ne te force pas à écrire une série

Un roman dont l’intrigue est résolu en un seul tome, soit un tome unique, est volontiers appelé par sa dénomination anglaise : le one shot.

Son contraire est un roman dont l’intrigue s’étend sur plusieurs volumes. Il s’agit d’une série.

La série peut être concise en 2 tomes : c’est la duologie. En 3 tomes, on parle de trilogie. Mais elle peut s’étendre sur un plus grand nombre de volumes.

La littérature de l’imaginaire est un genre qui se prête volontiers aux série. En effet, on crée des modes avec leurs propres règles et leurs propres mythologie. Aussi le développement du contexte et l’immersion dans le monde incitent de nombreux auteurs à penser leur intrigue en série.

Par ailleurs, de nombreux titres cultes (souvent repris au cinéma) sont des séries. On pense bien évidemment au totem du genre : Le Seigneur des anneaux.

Pourtant les séries ne composent pas la majorité des oeuvres éditées en fantasy, ni la majorité des grands succès commerciaux.

Sachant que l’écriture d’une série est un exercice complexe qui demande une grande maîtrise de son histoire et de sa plume, que les éditeurs sont plutôt frileux à éditer des séries au-delà des 3 tomes, je t »invite simplement à ne pas te penser contraint d’écrire une série parce que tu es dans le genre de la fantasy.

Fais le choix du one shot ou de la série selon ce qui est le plus pertinent pour ton histoire.

Conseil n°2 : Ne te perds pas dans les détails dans tes descriptions

Les auteurs d’un roman de fantasy vont, par définition, créer un monde de toute pièce ou insuffler au monde réel une réalité alternative.

Cependant n’oublie pas que tu n’es ni historien, ni architecte. Tu n’écris pas un livre d’histoire ou un recueil mythologique sur le monde que tu as créé.

De plus, trop d’éléments nouveaux peuvent vite perdre le lecteur. Par exemple : un grand nombre de nouvelles espèces, de multiples religions aux rites inconnus, ou même une carte politique compliquée avec de nombreux royaumes.

Le décor que tu construis autour de ton intrigue ne doit jamais prendre le dessus sur ton intrigue elle-même. Le lecteur suit les aventure de ton ou tes protagonistes.

Conseil n°3 : Mêle intrigue principale et intrigues secondaires

Ce conseil est valable pour tous les romans, mais particulièrement lorsque tu écris un roman de fantasy.

Les intrigues secondaires s’entremêlent avec l’intrigue principale

Classe les actions qui relèvent de l’intrigue principale et celles qui sont du ressort des intrigues secondaires. Comment intéragissent-elles ? Comment les intriguent secondaires contribuent et reflètent l’intrigue principale ?

Il est important que tu n’écrives pas plusieurs romans en un. Toutes les lignes narratives doivent servir ton action principale.

D’ailleurs, attention à ne pas surmultiplier les intrigues au risque de perdre le lecteur en cours de route !

Conseil n°4 : Crée un monde crédible

Même si ton histoire ne prend pas place dans notre monde, il faut que tu gardes une certaine logique intrinsèque au monde que tu crées.

Tu crées un certain nombre de règles qui régissent ton monde. Il ne faut pas tu trahisses ces règles si tu veux que ton histoire ne perde pas son sens.

Je ne parle pas de recréer la logique et les règles de notre monde dans ton univers. Je pense à Terry Pratchette par exemple, passé mettre dans le caractère ubuesque de l’organisation de sa cité dans son oeuvre du Disque-monde. Mais ta logique (ou ton illogisme) doit rester égal à lui-même.

Ainsi, tu respecteras le principe de vraisemblance, cela même dans un univers de fantasy.

Conseil n°5 : Ne cherche pas à toujours expliquer la magie

Dans un monde imaginaire, tu as le droit d’établir des présupposés sans leur donner d’explications scientifiques ou logiques.

Le licorne, les dragons, les griffons peuvent exister sans que tu donnes une explication rationnelle à leur capacité à générer du feu ou à courir sur les arcs-en-ciel par exemple.

Tu peux donner des explications si cela t’importe, mais attention de ne pas te sentir obliger de mettre du rationnel là où il n’y en a pas.

Conseil n°6 : Evite les clichés

Difficile d’être complètement original, oui, même dans un roman de fantasy !

Ce qui fera l’originalité de ton histoire, ce sont moins les briques qui construisent ton monde que les interactions entre tes personnages.

Et cela n’est pas grave : les lecteurs seront satisfaits de retrouver certains motifs narratifs récurrents, certains tropes qui caractérisent le genre de la fantasy.

Cela étant dit, attention bien évidemment à ne pas utiliser des motifs qui perdent de leur impact et de leur sens à force d’avoir été réutilisés… évite les clichés.

Conseil n°7 : Planifie toute ta série

Je suis une fervente utilisatrice du plan détaillé pour l’écriture de mes romans. Plus ou moins détaillé, mais en tout cas, il me faut une feuille de route dans laquelle je prévois les grands temps de mon histoire.

Si tu écris une série de fantasy, il sera très important de prévoir une telle feuille de route pour ta série entière, puis ensuite pour chaque volume.

Il doit se passer quelque chose dans chaque tome. Une action et sa résolution doivent prendre place dans chaque volume.

Mais il faut également construire le plan général de la série, dans sa totalité, dans lequel s’imbrique chaque plan de chaque tome, pour que le fil narratif soit cohérent.

Conseil n°8 : La nuance, toujours la nuance

La fantasy est souvent le terrain d’affrontement de deux concepts absolu : le bien et le mal.

Or, il s’agit le plus souvent d’un raccourci propice à résumer des histoires complexes et prolifiques.

Les meilleurs histoires de fantasy sont celles qui apportent de la nuance, notamment dans les motivations et les personnalités des héros.

La frontière entre le bien et le mal n’a pas besoin d’être tranchée. Il est au contraire intéressant de donner plus de relief à ton action et à tes personnages en montrant les conséquences des choix des hommes.

Les grands points de la conversation :

– Commencer dans la fantasy par un one-shot ou une série courte
– La bonne gestion du nombre de sous-intrigues
– Comment faire un plan quand on écrit une série
– Rester crédible sans avoir besoin de tout expliquer

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Mes techniques narratives préférées pour ton roman

Certaines façons de raconter une histoire (parlons de « techniques narratives », au sens large) t’interpellent et te ravissent plus que d’autres.

Dans cet article, je vais partager 5 techniques narratives que j’aime retrouver dans mes lectures et que j’émule lorsque j’écris un roman.

Il s’agit d’une invitation à t’interroger sur tes propres goûts, à rendre tes lectures un peu plus scolaires pour qu’au-delà des goûts et des couleurs, tu repères les procédés narratifs qui font écho à ta sensibilité.

Ainsi, tu affineras ta plume, ton style dans l’écriture de tes propres romans.

Technique narrative n°1 : berner le lecteur

As-tu déjà lu un roman qui a pris un tournant inattendu ?

Tu croyais suivre un certain type d’histoire, mais plus l’intrigue avance, plus ton constates qu’il s’agit en fait d’une histoire complètement différente de cette à laquelle tu t’attendais du fait des chapitres d’exposition.

L’intrigue peut tourner petit à petit à l’enquête policière par exemple.

Cette première technique narrative consiste à mettre en place le changement de cap avec toute la subtilité possible. La transition n’est pas grossière et abrupte : le lecteur doit se rendre compte par lui-même, au bout d’un moment, que le roman le surprend.

Le dérapage se fait en douceur.

C’est une technique que maîtrise parfaitement l’un de mes auteurs préférés : le japonais Keigo Higashino.

Au-delà des surprises dans l’action, cela peut aussi être un changement de perception de la relation entre deux protagonistes par exemple. Le principe reste le même : berner le lecteur, lui faire se rendre compte que les choses ne sont pas ce qu’elles paraissent.

Technique narrative n°2 : le basculement hors de l’ordinaire

Les techniques narratives n°1 et n°2 sont cousines. Cette deuxième astuce se démarque par son caractère plus brutal.

Il s’agit de commencer le récit avec un quotidien normal, banal, et de le faire basculer soudainement en introduisant des éléments inattendus et extraordinaires.

Ce peut être l’irruption de la magie, mais aussi un meurtre ou kidnapping.

Là encore, le lecteur pensait se plonger dans un certain type d’histoire du fait des scènes d’exposition sans rapport avec le genre réel du roman. Il se trouve transporter dans un tout autre récit. Le roman crée l’inattendu.

N’hésite pas à découvrir le roman Le Dévouement du suspect X de Keigo Higashino pour un exemple réussi de la mise en oeuvre de cette technique.

Technique narrative n°3 : créer une atmosphère connotée

Chaque romancier crée une ambiance par le choix des décors, des sons, des odeurs qu’il met en scène. Mais selon les romans, celle-ci peut être plus ou moins affirmée, plus ou moins connotée.

Certains romanciers utilisent encore et toujours la même ambiance. Elle devient même leur marque de fabrique. Elle contribue à ce sentiment que ces auteurs ont un style, une plume qui leur est propre. Que leur style est reconnaissable facilement.

On peut citer des écrivains comme Neil Gaiman ou Terry Pratchett, particulièrement doués pour installer des ambiances personnelles avec de fortes connotations visuelles.

Ou encore, parmi les cinéastes, les films de Tim Burton ou Michael Mann ont toujours cette identité visuelle qui caractérisent leurs réalisateurs.

Repère ces identités dans tes lectures si tu le peux et interroge tes goûts. Apprécies-tu ces esthétiques appuyées ou pas ? Souhaites-tu en créer pour tes histoires ?

Technique narrative n°4 : Mettre en scène des contradictions

Parmi mes techniques narratives préférées, celle-ci me fait toujours hocher la tête avec approbation et me captive.

Il s’agit de prendre le contrepied sur le consensus social lié à une chose.

Par exemple, décrire un cadavre comme quelque chose de beau.

Ou alors, dans une romance où normalement ce sont les professions artistiques ou à haut statut social qui font rêver, donner à ton héros un métier qui n’est pas glamour (et le rendre intéressant évidemment).

Trouver du beau dans le laid, créer du rêve dans l’ordinaire, cette astuce te permet d’attirer et tenir l’attention du lecture car encore une fois, tu crées l’inattendu.

Technique narrative n°5 : Faire changer un personnage

Tes personnages changent par définition, ils évoluent grâce aux événements que tu mets en scène dans ton intrigue.

Cette technique narrative ne concerne pas directement cette évolution logique.

Elle consiste à révéler au lecteur qu’il se trompait sur qui était en réalité le personnage.

Avec subtilité, tu amènes le lecteur à découvrir que le personnage n’était pas celui qu’il paraissait être.

J’aime que les personnages me surprennent !

Cette technique permet à l’auteur de rajouter une nouvelle dimension à des personnages qui sont déjà intéressants et de les rendre encore plus mémorables.

Les grands points de la conversation :

– Bien réfléchir aux angles de narrations qui peuvent te plaire en tant qu’auteur
– Toujours rester subtil et mesuré dans ton récit
– Trouver l’ambiance particulière qui caractérise ton texte
– Lire avec l’oeil d’un écrivain et plus seulement d’un lecteur

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Mes conseils de lecture pour les écrivains

Dans cet article plus personnel, je vais te partager mes 7 romans coups de cœurs pour leur qualité et leur caractère d’illustration de certaines techniques narratives.

Que j’ai apprécié l’histoire et les personnages ou pas, ces romans illustrent très bien certaines techniques narratives compliquées mais incontournables lorsqu’on se lance dans l’écriture d’un roman.

Je trouve qu’ils ont valeur d’exemple. Je souhaite donc partager ces conseils de lecture avec tous les jeunes écrivains !

La liste que je te propose n’est évidemment pas exhaustive et, une fois encore, totalement subjective.

Conseil de lecture n°1 : La maison où je suis mort autrefois et Le dévouement du suspect X de Keigo Higashino

Les jeunes auteurs ont souvent pour écueil de vouloir multiplier les rebondissements et les noeuds narratifs pour que le lecteur « en ait pour son argent ». Ils confondent intrigue touffue et roman captivant.

En réalité, c’est tout l’inverse : ce qui fait la réussite du roman, c’est la justesse du verbe, de la plume, lorsque tout est calculé pour servir l’intrigue.

Il n’y a pas de digressions multiples et à rallonge, il n’y a pas de points qui n’accompagnent pas l’intrigue.

Keigo Higashino est un auteur japonais de polar. Ses romans sont des exemples parfaits de cet justesse du nombre d’actions et de la manière précise de les raconter. C’est ce que j’appelle une plume vraiment resserrée.

Conseil de lecture n°2: Station Eleven de Emily St. John Mandel

Un conseil de lecture pour tous les écrivains qui souhaitent écrire un roman avec plusieurs lignes temporelles !

La grande force de l’autrice Emily St. John Mandel et de son roman Station Eleven est de réussir à mener parfaitement ses deux timelines, avec deux intrigues fortes, en parallèle l’une de l’autre, du début à la fin du roman.

Tu as vraiment deux histoires parallèles mais qui s’imbriquent dans une histoire globale.

Si tu as dans l’idée d’écrire un roman avec 2 histoires parallèles toutes aussi importantes et que tu ne sais pas trop comment gérer ces timelines, je te recommande la lecture de Station Eleven !

Conseil de lecture n°3 : L’île des oubliés de Victoria Hislop

Un conseil de lecture pour les écrivains de romans historiques !

Il est souvent compliqué de savoir où placer le curseur quand son roman s’appuie sur des faits historiques. Quoi raconter ?

Retiens une règle : il faut vraiment éviter la leçon d’histoire.

Dans son roman L’île des oubliés, l’autrice anglaise Victoria Hislop raconte l’histoire d’une famille touchée par la lèpre juste avant la 2^nde Guerre Mondiale.

Il y a donc des évènements de la grande Histoire qui vont impacter l’histoire de la famille. De plus, le traitement des personnes atteintes de la lèpre à l’époque fait partie de la grande Histoire.

C’est très subtil car à aucun moment le récit n’est pollué par l’Histoire mais en même temps on comprend tout de suite le respect des faits historiques dans l’œuvre de fiction.

Conseil de lecture n°4 : tous les romans de Neil Gaiman et de Terry Pratchett

Conseil de lecture pour les écrivains qui cherchent leur voix !

Il y a des plumes qui ont un vocabulaire, un rythme, un ton tellement spécifique que l’on sait dès les premières phrases qui est l’auteur.  

Ces auteurs ont ce que l’on appelle une plume connotée ou colorée.

C’est bien souvent le Saint Graal de l’auteur : se démarquer de tous ses pairs en ayant développé son style très particulier. Pas de panique pour les jeunes auteurs, c’est à force d’écrire des romans que cette voix unique déjà en gestation dans nos premiers livres s’affirment et se révèlent. Et un roman où elle est encore balbutiante peut être un excellent roman.

Si tu te demandes à quoi ressemble une plume qui est connotée et reconnaissable entre mille, je te recommande évidemment tous les romans de Neil Gaiman ou de Terry Pratchett.

Par exemple, Timbré de Pratchett et leur roman à quatre mains De bons présages.

Conseil de lecture n°5 : Gone Girl de Gillian Flynn

Un conseil de lecture pour les écrivains qui veulent changer de narrateur ou de point de vue en cours de roman.

Le changement de narrateur est toujours un peu périlleux. Quand on en change, qu’un autre personnage prend le relais, il faut que le ton du chapitre change lui aussi. A tel point que le lecteur devrait savoir exactement qui raconte la scène dans ce chapitre-là sans indication de nom du personnage.

L’autrice Gillian Flynn a écrit un roman représentatif de cet exercice de style : Gone girl.

Plusieurs points de vue se succèdent. Elle joue très bien avec les différentes tonalités qui incarnent le récit.

Conseil de lecture n°6 : Le Seigneur des anneaux de J.R.R Tolkien

Ce conseil de lecture s’adresse aux écrivains qui se demandent comment utiliser la narration extradiégétique, donc un narrateur omniscient et neutre, lorsque l’on est tenté de l’incarner à un moment ou à un autre.

Ma recommandation est plutôt pour les lecteurs de fantasy confirmés. Il s’agit bien sûr du cultissime Seigneur des anneaux de Tolkien.

Conseil de lecture n°7 : Un homme accidentel de Philippe Besson

Dernier conseil de lecture pour tous les écrivains qui ont un peu de mal à transmettre des émotions dans leur récit.

Tu crains de ne pas être juste ?

• Soit d’en faire trop, de trop expliquer au lecteur : » voilà ce que mon personnage ressent : il est triste, il est désespéré, il est heureux… », donc d’être trop dans la description ;
• Soit au contraire de pas assez creuser la psychologie et les émotions de ton personnage surtout quand tu décides d’écrire à la première personne.

Un super maître du maniement des émotions est Philippe Besson. Le livre que j’ai préféré de lui, que je trouve le plus réussi sur cette technique-là, est Un homme accidentel.

C’est un faux thriller axé sur le cheminement émotionnel du personnage principal et c’est très bien dosé !

Les grands points de la conversation :

– La lecture est le grand pilier d’amélioration de l’écriture
– L’intrigue n’a pas besoin d’être touffue pour être captivante
– Un bon roman est un roman qui transmet des émotions
– Toutes les techniques narratives demandent de se lancer et de s’entraîner

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Les tropes que l’on retrouve dans les romans Young Adult

Le public cible du Young Adult

La littérature Young Adult (de l’anglais « jeune adulte ») n’est pas un sous-genre romanesque au sens thématique, comme le polar ou la romance.

Le Young Adult fait référence à un lectorat cible. Le périmètre de ce public cible est variable selon qu’on utilise le terme littérature Young Adult comme englobant la littérature ados ou qu’on fait une distinction entre ados et jeunes adultes.

Le Young Adult s’adresse en général à un lectorat de 14 à 20 ans, voire de 12 à 20 ans. De nombreux adultes au-delà de 20 ans ont plaisir à lire des romans Young Adult. Et les grands succès du genre sont des oeuvres transgénérationnelles. Mais il n’en reste pas moins que le coeur de cible se compose des lecteurs adolescents et jeunes adultes.

Les caractéristiques des romans Young Adult

Le Young Adult se caractérise par des protagonistes qui ont le même âge que ces lecteurs cibles. Soit des personnages entre 14 et 20 ans. On généralise parfois en parlant de personnages en âge d’être au lycée.

Les thèmes abordés sont ceux qui concernent les adolescents et jeunes adultes : la construction de leur identité et leur rapport aux autres notamment.

Ces thèmes sont travaillés dans tout type de contextes. On retrouve des romans Young Adult de fantasy, de polar, de romance. L’Urban fantasy en particulier a été le terreau de la plupart des grands succès commerciaux de ces dernières années (qui ont donné lieu à des adaptations cinématographiques) : Percy Jackson, Twilight, Hunger Games.

Attention, toutes les maisons d’édition ne publient pas du young adult. Il est important de repérer les éditeurs et les collections qui lui correspondent.

Voici 4 tropes (ou motifs narratifs) emblématiques des romans Young Adult.

Le héros marginal

Ce héros ne se sent pas à sa place au milieu de ses camarades. Ses goûts sont différents, atypiques, il n’est pas populaire, il est mis à l’écart.

Bref, c’est une jeune personne incomprise et solitaire qui ne se sent pas en phase avec son environnement.

Elle se déprécie beaucoup et ne se rend pas compte de sa propre valeur.

L’orphelin

Quoi de plus facile pour envoyer son héros dans des aventures périlleuses que de retirer les figures d’autorité qui pourraient l’en empêcher !

Mais rendre son protagoniste orphelin a un autre avantage. Cela permet d’accentuer son mal être envers les adultes. Comment pourrait-il comprendre et faire confiance aux adultes s’il a grandi sans figure parentale ?

Il reflète avec puissance l’incompréhension et le malaise des adolescents face aux adultes.

La défaillance des adultes

Lorsque le protagoniste n’est pas orphelin, il est souvent mal entouré !

La défaillance des adultes qui entourent l’adolescent est un autre thème récurrent.

Non seulement ils n’apportent pas l’aide et la protection qui sont dues à leur progéniture, mais ils peuvent même être la source du danger. Les adultes sont à éviter. Ils sont souvent à défier, à vaincre et à éviter.

C’est un thème logique pour un roman qui s’adresse à des adolescents. Ils sont à une période de leur vie où l’entre-soi est très important.

Pour se construire, pour s’affirmer dans leur individualité, ils doivent vivre des aventures sans l’aide des adultes. Il est donc utile qu’ils ne puissent pas compter sur eux ! Ils relèvent un défi envers eux-mêmes jusqu’à devenir la personne qu’ils seront en tant qu’adulte.

Le triangle amoureux

Pour ce qui est des tropes en lien avec les relations amoureuses, on retrouve souvent le triangle amoureux.

Ce ressort narratif fonctionne très bien en s’appuyant sur l’hésitation et la recherche de soi des adolescents. Faire un choix, c’est s’affirmer et mûrir.

Attention, le trope du triangle amoureux fonctionne quand il est crédible. Quand l’hésitation du protagoniste entre les deux partenaires est vraie. Il ne faut pas que l’on sente que son choix est déjà arrêté depuis le début. Aussi creuse bien tous les personnages et travaille leur crédibilité.

Les grands points de la conversation :

– Le périmètre du Young Adult
– Le rôle des adultes (absents et défaillants)
– La crise identitaire avec les héros marginaux
– Le suspense dans la romance

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Les tropes que l’on retrouve dans le polar

Un trope est un anglicisme qui fait référence à un motif narratif récurrent. Il s’agit d’un thème, d’un ressort narratif ou, par extension, d’un archétype de personnage que l’on retrouve à répétition dans les romans. Certains tropes sont emblématiques d’un genre romanesque en particulier.

Intéressons-nous aux grands tropes du polar. Les plus communs, les plus efficaces.

Nous nous pencherons sur des thématiques qui se recoupent sur les deux grands sous-genres de la catégorie du polar, à savoir le polar les romans policiers et les thrillers.

Pour rappel, la distinction entre les deux est la suivante. Tous les sous-genres du polar développent une intrigue autour d’une intention criminelle (le plus souvent qui s’est réalisée par un meurtre, un kidnapping, ou un autre acte qui atteint à la sécurité des personnes. Mais le roman policier se concentre sur la collecte des preuves qui vont révéler et faire tomber le coupable. Le plus souvent le point de vue est celui d’une figure d’enquêteur. En revanche, le thriller est centré sur la course des personnages pour survivre à la menace qui pèse sur eux. C’est le roman du suspense par excellence.

Les figure de l’enquêteur

Les romans policiers ont leur figure d’enquêteur. La résolution de l’intrigue, meurtre ou disparition, se fait avec le concours d’un personnage qui va permettre l’éclaircissement final. Aussi les tropes du polar ne font pas l’économie de caractériser la figure de l’enquêteur.

L’enquêteur au bout du rouleau

La tendance des polars de ces dix dernières années est de faire des figures d’enquêteurs à la moralité grise. Leurs moeurs sont douteuses et leur santé mentale est chancelante. Ils sont parfois alcooliques, droguées, en sévère dépression… Il a des problèmes relationnels, il est divorcé, veuf, et en conflit avec sa hiérarchie. Bref, au bord de la rupture sociale.

Il peut avoir vécu un grand traumatisme. Soit dans sa vie personnelle, soit dans sa vie professionnelle (une affaire précédente qui s’est mal passée).

En conclusion, il ne semble pas avoir les épaules pour mener à bien l’enquête au début de l’histoire. Or, l’enquêteur va en fait se servir de cette « ultime » enquête comme d’un tremplin vers sa rédemption. Il renoue avec ses capacités professionnelles et avec son entourage.

Attention, sois bien dans la nuance quand tu choisis ce type de personnage. Il est facile de tomber dans la caricature.

L’enquêteur de génie

Hercule Poirot, Sherlock Holmes, pour ne citer que les deux plus emblématiques. Cet enquêteur a une intelligence bien supérieure à la moyenne, et surtout, supérieure au lecteur. Le lecteur doit apprécier qu’il avait lui aussi tous les indices dans le texte, mais qu’il n’a pas été capable d’arriver aux conclusions de l’enquêteur.

L’enquêteur de génie a souvent aussi des difficultés relationnelles. Son génie est enfermant. Il le plonge dans la solitude d’être différent. Ce génie a du mal à créer des liens à égal à égal avec les autres. Il évolue difficilement en société. Son intellect le met à part. Parfois son physique aussi le distingue. Il peut avoir des tocs. Ou parfois des accessoires fétiches.

L’enquêteur malgré lui

Grande figure du thriller, il s’agit du personnage qui se retrouve au coeur du mystère alors qu’il n’est pas un enquêteur. Il semble même plutôt mal équipé pour s’opposer à l’antagoniste et résoudre l’énigme. Il est une victime. L’histoire commence et le propulse au coeur du danger alors qu’il n’avait aucune intention d’y prendre part et qu’il ne sait pas ou n’a jamais enquêté.

Plus tard, une bascule s’opère. De victime, il finit par incarner pleinement l’étoffe de l’enquêteur ou plutôt de celui qui résoudra l’intrigue et brisera le danger.

Les meutres du polar

Le meurtre ritualisé

Quoi de plus efficace pour choquer les personnages et donner une personnalité singulière au meurtrier que de ritualiser le crime ?

Par exemple, ce peut être des meurtres commis avec un cérémonial satanique. Le lecteur va tout de suite visualiser l’ambiance et les enjeux derrière un tel parti pris.

Axer le meurtre sur une mythologie ou une symbolique est un moyen de communiquer facilement et efficacement avec le lecteur.

Le lecteur s’interroge forcément sur le message que veut faire passer le tueur par une telle mise en scène de son crime. Le lecteur de polar est friand de mystères, d’énigmes. La ritualisation rend le meurtre original. Attise sa curiosité.

Le meurtre impossible

L’auteur met en scène un meurtre qui ne devrait pas pouvoir avoir eu lieu. Tu crées une énigme autour de la faisabilité du meurtre. Comment le meurtrier a-t-il réussi à accomplir son crime ?

Ce trope du polar excite l’imagination du lecteur qui vient chercher une énigme difficile à résoudre.

Et il n’est pas facile de créer cette illusion. L’intrigue doit être pensée dans ses moindres détails. Elle doit surtout respecter le principe de vraisemblance.

Le quiproquo

Parmi les tropes du polar contemporain, c’est sans doute le plus répandu.

Quand l’histoire démarre, le lecteur pense avoir affaire à un type de mystère, un type de tueur ou à une motivation spécifique (par exemple, un meurtre par vengeance). Or, dans le dernier tiers du livre, le lecteur se rend compte qu’on l’a induit en erreur.

En réalité, le motif du meurtre est tout autre, par exemple.

Il faut que le lecteur ne le voit pas venir mais que pourtant le quiproquo soit crédible. Il faut qu’il ait les indices sous le nez mais qu’il passe à côté.

Le serial killer

La figure du serial killer n’en a pas fini de fasciner. Son fonctionnement psychologique est tellement en dehors de celui d’un être humain normal qu’il défie la logique et donc attise la curiosité. Il n’est presque plus totalement humain.

Sa façon de voir l’autre, ses motivations sont tellement en dehors de la sphère de compréhension d’un être humain normal que le lecteur ne peut s’empêcher d’essayer de les rationaliser encore et toujours. Il veut connaître ces motivations excentriques.

Le serial killer commet de nombreux meurtres, et souvent il ritualise ses crimes. Il est donc l’assassin parfait pour écrire un roman rempli de rebondissements et de retournements de situation.

Le compte à rebours

Le temps est compté. Les meurtres vont s’enchaîner si le coupable n’est pas appréhendé. Ou la fenêtre pour le capturer risque de se refermer. Dans un cas comme dans l’autre, le protagoniste doit faire vite.

Le lecteur est entraîné dans un rythme effréné. L’angoisse se creuse. Le compte à rebours est bien sûr un outil privilégié du suspense, donc des page turners. L’anticipation incertaine des événements à venir est la définition même du suspense.

Les grands points de la conversation :

– Les différentes figures d’enquêteurs
– Ne pas tomber dans le cliché en suivant les tropes du polar
– Pourquoi le serial killer fascine encore et toujours
– Employer tout ce qui peut servir à faire monter le suspense

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